„Ich habe keine konkreten Ziele. Ich denke, der ultimative Smash-Hit gelingt einem sowieso nur rein zufällig.“
(Bild: 2017 raulgullon.com)
Der australische Gitarrist und Komponist Plini Roessler-Holgate, Künstlername: Plini, bekam seinen künstlerischen Ritterschlag von niemand Geringerem als Saitenvirtuose Steve Vai: Er würdigte Plinis 2016er Debütscheibe ‚Handmade Cities‘ als „eines der gelungensten, wegweisendsten, melodisch, rhythmisch und harmonisch tiefgründigsten Gitarrenalben, die ich je gehört habe.“ Seither ist der Mann aus Down Under in aller Munde, vor allem in den Sozialen Medien, wo ihm eine riesige und treue Fangemeinde folgt. Kein Wunder, denn sein Spiel und sein Songwriting sind wirklich atemberaubend, eine Mischung aus Satriani-meets-Vai-Melodiegefühl und einer rhythmischen Komplexität, wie man sie vor allem von Metalbands wie Mastodon oder Periphery kennt.
Es war also an der Zeit, den Ausnahmemusiker von der anderen Seite unseres Planeten zum Guitar Summit einzuladen und ihn dem „analogen“ Publikum vorzustellen. Allerdings: Am Ende seines ersten spannenden Workshops gab es zwar lauten Beifall, aber auch – nicht ganz ernstgemeinte – Kritik: Man habe sich mehr Musik und einen geringeren Sprachanteil gewünscht. Angesichts seiner faszinierenden Spielweise absolut nachvollziehbar!
INTERVIEW
Plini, dein heutiges Workshop-Publikum hätte offenkundig gerne ein paar mehr Songs von dir gehört. Warst du auf weitere Stücke vorbereitet?
Natürlich! Aber ich richte mich danach, was das Publikum von mir erwartet. Für mich sind Workshops eine Mischung aus Demonstration, musikalischer Erziehung und Entertainment. Ich glaube, dass ich heute ein wenig in die Falle getappt bin und den Fragen zu viel Aufmerksamkeit geschenkt habe, anstatt mehr zu spielen. Das wird mir morgen bei meinem zweiten Workshop garantiert nicht noch einmal passieren. Für den Summit habe ich fünf oder sechs Songs vorbereitet, nicht nur die zwei, die ich heute vorgestellt habe. Gleichzeitig muss ich aber auch gestehen, dass ich gerne Fragen beantworte, über die ich selbst nachdenken muss.
Über welche Fragen musstest du heute genauer nachdenken?
Vor allem über diejenigen, die mein Songwriting betrafen. Ich komponiere permanent Stücke, ohne sie genauer zu analysieren. Deshalb ist es auch für mich immer sehr spannend, wenn Zuschauer über die eine oder andere Komposition sprechen möchten. Ich lerne dabei viel für mich selbst, denn oftmals weiß ich eigentlich selbst nicht so genau, weshalb ich etwas Bestimmtes gemacht habe.
Kannst du in solchen Fällen eine musikalische Weiterentwicklung bei dir erkennen? Bemerkst du Unterschiede zwischen bestimmten Phasen deines Songwritings?
Ja, die erkenne ich tatsächlich, allein schon, weil ich in den zurückliegenden 10 bis 15 Jahren Phasen hatte, in denen ich total besessen war von Guthrie Govan, oder mich für den rhythmischen Aspekt von Periphery begeistert habe. In solchen Phasen habe ich anders gespielt und auch die Drums anders programmiert, als ich es heutzutage mache.
Einige Fragesteller schienen sich besser mit deinem Songmaterial auszukennen als du selbst.
Für mich gilt: Wenn ich ein Projekt oder was auch immer abgeschlossen habe, ist es aus meinem Kopf verschwunden. Mein Blick ist stets nach vorne gerichtet, fast nie zurück. Meine größte Leidenschaft ist das Komponieren und Produzieren neuer Songs, und wenn etwas vollendet ist, suche ich sofort die nächste Herausforderung. Natürlich höre ich mir dann und wann auch mal Aufnahmen an, die ich vor fünf oder zehn Jahren gemacht habe. Mitunter bin ich dann überrascht, wie ich zu bestimmten Zeiten gespielt habe, denn mein Stil ändert sich unablässig.
Du hast heute mehrfach deine größten Vorbilder erwähnt, also John Petrucci, Joe Satriani, Steve Vai und Periphery.
Joe Satrianis Spiel ist absolut einzigartig. Er hat ein unnachahmliches Laid-Back- und auf gewisse Weise bluesiges Feeling, während John Petruccis Stil diesen epischen, schwebenden Charakter besitzt. Ich liebe, wie man bei unfassbar vielen Künstlern etwas Einzigartiges entdecken kann.
Macht es diese Tatsache jungen Gitarristen aber nicht besonders schwer, ihren eigenen künstlerischen Fingerabdruck zu entwickeln?
Die Sache ist folgende: Ich liebe es zu komponieren, und dafür setze ich mein Instrument als Hilfsmittel und Werkzeug ein. Wenn ich im Internet surfe, finde ich auf Instagram oder YouTube unfassbar viele junge, häufig gerade mal 15- oder 16-jährige Gitarristen, die über eine faszinierende Technik und eine schwindelerregende Geschwindigkeit verfügen. Aber Songs zu komponieren und etwas Eigenes zu kreieren, ist noch einmal eine völlig andere Sache. In allen Epochen der Musikgeschichte haben sich die wirklich großen Musiker weniger durch ihre Fingertechnik, sondern mehr durch ihre einzigartige Kreativität und ihr Songwriting ausgezeichnet. Es gibt auf dieser Welt genügend Platz für alle Gitarristen, die einfallsreich sind und etwas Neues entwickeln und nicht nur reproduzieren.
Songwriting ist für dich also das höchste Gut, nicht die Technik?
Natürlich hilft einem eine gute Technik dabei, sein Songwriting zu verfeinern und es noch interessanter zu gestalten. Und natürlich gab es in meiner Lebensgeschichte auch Phasen, in denen ich mich gezielt mit neuen Techniken und alternativen Spielweisen auseinandergesetzt habe. Trotzdem stand am Ende meiner Recherche immer ein noch variantenreicheres Songwriting.
Wie hat es bei dir angefangen? Als kleiner Junge mit einer Kindergitarre, auf der du erste Beatles-Akkorde geschrammelt hast? Dein Vater war auch Musiker, nicht wahr?
Mein Vater hat Kontrabass gespielt, ist heute allerdings weitestgehend im Ruhestand. Meine Mutter war ein riesiger Musikfan, durch sie lernte ich unter anderem Michael Jackson, Cream, Led Zeppelin oder eben auch die Beatles kennen. Mit etwa neun Jahren bekam ich meine erste Akustikgitarre, lange bevor es kinderleicht wurde, eigene Aufnahmen mit dem Computer zu machen. Also bediente ich mich einer etwas aufwändigeren Technik: Ich nahm auf meinem kleinen Kassettenrekorder ein paar Akkorde auf, steckte die Kassette in unsere Hifi-Anlage, spielte sie ab und nahm dazu eine weitere Gitarrenspur in meinem kleinen Rekorder auf. So lernte ich Akkorde mit Melodien zu verknüpfen. Irgendwann tauchten Computer auf, von da an wurde es deutlich einfacher, Ideen weiterzuentwickeln und festzuhalten.
Die Melodie steht bei dir immer am Anfang? Oder eher der Rhythmus?
Ganz eindeutig: der Rhythmus.
Musikalische Anfänge und Equipment-Vorlieben auf Seite 2 …
